IN DEEED – Exposition de Yannick Martin aka WHA-T

Le travail de Yannick Martin porte un regard singulier sur le temps, non pas comme sujet représenté, mais comme processus inscrit dans la matière. Ses instruments : répétition et structuration.
Répéter, c’est introduire du temps dans l’action : chaque passage recouvre, prolonge ou contredit le geste antérieur ; qui soumet la matière à une temporalité accélérée.
À force d’être déposée, déroulée, superposée ou déplacée, la matière s’accumule autant qu’elle s’épuise. La répétition accélère son érosion et sa transformation. Une ligne se déplace, une densité s’altère, une forme apparaît, une autre se dissout. La répétition transforme, sculpte. Non comme l’érosion lente d’une image originelle dont il subsisterait des vestiges, mais comme une succession d’états engendrés par l’action. Aucune image première qui ferait référence, pas davantage d’image dernière qui viendrait résoudre le processus. Chaque geste s’incarne dans un état de la matière et, avec lui, une nouvelle potentialité d’image. L’oeil cherche à reconnaître des signes, recompose des fragments, établit des correspondances. Nos paréidolies sont sollicitées : une forme semble émerger, une profondeur se creuse, une silhouette ou le fragment d’une image apparaît avant, peut-être, de se défaire à nouveau.
Cette instabilité donne aux oeuvres une qualité photographique, parfois cinématographique. Dans la densité des noirs et blancs, le fragment, le contraste, le grain et l’apparition incertaine des formes, certaines oeuvres peuvent faire écho à la photographie japonaise de l’après-guerre et, notamment, aux expérimentations autour de Provoke : une image traversée par le mouvement,
l’accident et l’indétermination, qui résiste à une lecture immédiate.
Mais à cette instabilité répond le nécessité de la structure.
Yannick Martin reconnaît pleinement l’espace limité de la toile. Il ne cherche pas à l’abolir : il l’organise. Son expérience de l’architecture et du cinéma affleure ici moins comme référence que comme manière de penser l’espace : cadrer, construire, séquencer, interrompre, déplacer. Le cadre devient alors une contrainte féconde. Il contient ce qui pourrait se disperser, organise les
strates et concentre notre attention. Une succession d’actions, d’accidents et de transformations
se trouve soudain arrêtée et réunie dans un même espace.
Au temps du geste répond le temps ralenti du regard.
La répétition et le mouvement exigent désormais l’arrêt : entrer dans la toile, suivre une trace, perdre une forme, en reconnaître une autre, reconstruire mentalement les successions que la peinture nous présente simultanément.
Regarder devient alors une forme d’archéologie du geste : parcourir les strates, retrouver la trace d’un mouvement sous un autre, observer l’érosion ou l’accumulation de la matière, sans nécessairement pouvoir déterminer ce qui précède et ce qui succède.
Ici, accordons-nous un temps d’arrêt, laissons nos paréidolies se jouer des traces, des rythmes et des strates. Une pause pour ralentir le regard, s’immerger, et laisser au temps toute sa place.